Historia del ENIAC

Quede claro que este post es un homenaje a las mujeres, frecuentemente ignoradas en la informática y, que sin embargo, fueron las verdaderas protagonistas. Desde el hecho de que el "primer programador" de toda la historia fuese una mujer, Ada Lovelace, hasta los datos que incorporo en este post donde se ve que fueron pioneras e imprescindibles. El trasfondo es el primer ordenador electrónico, el ENIAC.  

Este es un acrónimo inglés de Electronic Numerical Integrator And Computer (Computador e Integrador Numérico Electrónico), utilizada por el Laboratorio de Investigación Balística del Ejército de los Estados Unidos. Máquina gigantesca que ha sido la primera computadora de propósito general.

La ENIAC fue construida en la Universidad de Pennsylvania por John Presper Eckert y John William Mauchly, ocupaba una superficie de 167 m² y operaba con un total de 17.468 válvulas electrónicas o tubos de vacío. Físicamente, la ENIAC tenía 17.468 tubos de vacío, 7.200 diodos de cristal, 1.500 relés, 70.000 resistencias, 10.000 condensadores y 5 millones de soldaduras. Pesaba 27 toneladas, (ojo al peso, comparado con un ordenador actual), medía 2,4 m x 0,9 m x 30 m; utilizaba 1.500 conmutadores electromagnéticos y relés; requería la operación manual de unos 6.000 interruptores, y su programa o software, cuando requería modificaciones, tardaba semanas de instalación manual.

Aunque resulta frecuente encontrar en numerosos textos el nombre de los creadores del ENIAC, John Presper Eckert y John William Mauchly, no lo es tanto encontrar la referencia de quienes se encargaron de hacer funcionar la computadora. En la descripción del puesto de trabajo se decía: «Requiere esfuerzo, creatividad mental, espíritu innovador y un alto grado de paciencia» ya que, por cierto, el ENIAC no tenía manual de programación.

Cerca de doscientas jóvenes mujeres, tanto civiles como militares trabajaron en el proyecto como computadoras “humanas”, realizando cómputos de balística durante la Guerra.

Seis de ellas fueron seleccionadas para programar las máquinas, que posteriormente tomarían su nombre y que llegarían a ser más celebres que ellas mismas.

Quienes se encargaron de que la computadora funcionara fueron seis mujeres: Kay Antonelli, Jean Bartik, Betty Holberton, Marlyn Meltzer, Frances Spence y Ruth Teitelbaum. Sus nombres fueron invisibilizados durante años y han sido recuperados recientemente para la historia de la computación.

Ellas fueron las que desarrollaron los primeros programas de software de la primera computadora electrónica y crearon el campo de la programación. A mediados de los cuarenta del siglo XX eran las únicas programadoras de computadoras de propósito general en el mundo. Fueron así las maestras de la primera generación de programadores digitales.

La historia de estas mujeres ha estado invisibilizada hasta que en 1986 una estudiante de Harvard, Kathryn Kleiman descubrió la historia de estas mujeres al realizar una investigación sobre el papel de las mujeres en la computación. La información fue difundida por Tom Petsinger que realizó un reportaje reconociendo el trabajo de las mujeres del ENIAC para Wall Street Journal.

 La omisión de las mujeres en la historia de las ciencias de la computación perpetúa una idea errónea sobre la incapacidad o el desinterés de las mujeres en el tema.

El trabajo del programador, percibido en los últimos años como una labor masculina, originalmente fue una labor administrativa femenina.

La autora nos plantea una paradoja particular ¿cómo es que en la historia de la ciencias de la computación se oculte la labor de éstas mujeres?

Margaret Rossiter identifica 6 Factores que incrementaron el campo laboral para las mujeres:

•        El surgimiento de los proyectos de investigación de Big Science,

•        Bajo presupuesto

•        La disponibilidad de sectores de mujeres con educación

•        La falta de hombres

•        Alguna mujer podía actuar como intermediario (como la esposa de un científico masculino).

•        La apertura de los empleadores de contratar mujeres en un ambiente predominantemente masculino

Sobre todos estos datos recopilados, yo añado otro más de mi propia cosecha: la primera programadora de la historia fue Ada Lovelace, una matemática y escritora británica, célebre sobre todo por su trabajo acerca de la máquina calculadora mecánica de uso general de Charles Babbage, la denominada máquina analítica.

Ojo a la curiosidad: Ada Lovelace era hija del famoso poeta Lord Byron.

El Abstraccionismo

Repasado el Impresionismo, Postimpresionismo, Simbolismo, Puntillismo y Expresionismo, por pura y aleatoria selección mía, creo que ha llegado el momento de tocar el bonito tema del Arte Abstracto. Intentaré ser conciso.

 El concepto de arte abstracto se aplica a diversas artes visuales: pintura, escultura y artes gráficas. Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura, o a artes no plásticas, (música, danza o literatura), es bastante menos evidente, pero también existe.

Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual independiente y propio, dotado de sus propias significaciones (iconografía). El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de las referencias visuales del mundo real.

Consideremos que la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado, el fovismo (*) y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o informalismo. Otra vía fue la del cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fovismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.

(*) El fovismo,​ también conocido como fauvismo (del francés fauvisme, de fauve ‘fiera’ e -ismo, ‘movimiento, tendencia, carácter’), fue un movimiento pictórico originado en Francia, alrededor de 1904-1908. Se caracterizó por un empleo provocativo del color. Su nombre procede de la expresión les fauves ‘las fieras’, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en la Sala VII de la tercera exposición del Salón de Otoño, en el Gran Palacio de París, en 1905.

Uno de los máximos exponentes fue Kandinski, que al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.

En 1911, Vasili Kandinski, Franz Marc y otros artistas, fundaron en Munich un movimiento expresionistas Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), que transformó el expresionismo alemán.

Kandinski también se incorporó a la Bauhaus, con todas las vicisitudes pasadas por esta escuela, perseguida y cerrada pos los nazis. Más adelante creó los Die Blaue Vier (Los cuatro azules) Four), formada en 1924 con Paul Klee, Feininger y Alekséi von Jawlensky, que dio conferencias y exhibió en los Estados Unidos en 1924.

Como no lo puedo hacer más extenso, adjunto una lista de pintores Abstractos, a título de ejemplo:

•        Wassily Kandinsky

•        Kasimir Malévich

•        Piet Mondrian

•        Max Bill

•        Frank Stella

•        Theo van Doesburg

•        Hilma af Klint

•        Nassos Daphnis

En cuanto a España, podemos incluir a: 

•        Juan Gris

•        Joan Miró

•        Pablo Picasso

•        Salvador Dalí

•        Daniel Vázquez Díaz

•        María Blanchard

•        Eduardo Pisano

•        Joaquín Vaquero Palacios

•        Lucio Muñoz

Son muchos más, pero esto es sólo un aperitivo para los que deseen abundar más en este tema.

El caballo

Acabo de pasar junto a la parcela. El caballo estaba algo lejos, (la parcela no es demasiado grande), pero ha venido derecho hacia mí, al verme. Antes he oído un suave relincho, como la mayoría de los días.

Otras veces salta desde su zona de descanso, al fondo, en la sombra, y viene al trote hacia mí. Siempre me llena de gozo. Le doy su “merienda”, (generalmente pan tierno y una zanahoria fresca), y actúa como si lo agradeciese. No conozco todavía el lenguaje de los caballos, pero quiero imaginar que esos relinchos, esos movimientos de la cabeza o el venir al trote, al verme son de alegría.

Desde luego que me transmite a mí la alegría. A veces bajo a la calle, para pasear al perro, por ejemplo, y esos saludos del caballo consiguen mejorar notablemente mi humor.

Y entonces recuerdo al Principito, de Saint-Exupery, y sus maravillosas frases, que transcribo:

"Sólo se conoce lo que uno domestica, dijo el zorro. Los hombres ya no tienen más tiempo de conocer nada. Compran cosas ya hechas a los comerciantes. Pero como no existen comerciantes de amigos, los hombres no tienen más amigos. Si quieres un amigo, ¡domestícame!

Qué hay que hacer ? – dijo el principito.

Hay que ser muy paciente – respondió el zorro. Te sentarás al principio más bien lejos de mí, así, en la hierba. Yo te miraré de reojo y no dirás nada. El lenguaje es fuente de malentendidos. Pero cada día podrás sentarte un poco más cerca...

Vendrás cada día a verme. Y mejor si es siempre a la misma hora. Si vienes, por ejemplo, a las cuatro de la tarde, ya desde las tres comenzaré a estar feliz. Cuanto más avance la hora, más feliz me sentiré. Al llegar las cuatro, me agitaré y me inquietaré; ¡descubriré el precio de la felicidad!"

Ya es la hora, me digo. Bajo a la calle y oigo un relincho. Parece que tengo un amigo…

Mini-biografías (Kandinsky)

Vasili Kandinsky

Nació en Moscú, Rusia, en 1866. Es un pintor de origen ruso, que también se nacionalizó alemán y posteriormente francés. Fue el más destacado pionero y teórico del arte abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura.

En Alemania enseñó en la Escuela de la Bauhaus de arte y arquitectura desde 1922 hasta que la cerraron los nazis en 1933. entonces se trasladó a Francia, donde residió el resto de su vida y donde adquirió la ciudadanía francesa en 1939. En este país creó algunas de sus mejores obras. Vasili Kandinsky falleció en Neuilly-sur-Seine en 1944.

El desarrollo de Kandinsky hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en Abstracción y empatía de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.

Kandinsky, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.

Sus obras son de una gran belleza, y no dejan indiferente a nadie, sean o no partidarios del Abstraccionismo. Como muestra van tres botones.

El qué dirán

El abuelo, el nieto y el burro

Había una vez un abuelo con su nieto que juntos habían pasado las vacaciones de verano y ahora para que el pequeño volviera a casa con sus padres, se fueron caminando de pueblo en pueblo con el burro del abuelo.

Como tenían que descansar ambos, nieto y abuelo decidieron pararse en el pueblo más cercano para que el camino no se hiciera demasiado largo. El abuelo iba subido en el burro y el nieto iba andando tranquilamente junto a él cuando de repente se oyeron unas voces decir: ¡Qué hombre más mal educado, va él sentado y su pobre nieto caminando!

El abuelo se bajó del burro y al cruzar el pueblo tanto su nieto como él mismo iban los dos caminando al lado del burro. Se cruzaron unos chicos que les dijeron: ¡Vaya par de tontos! Tienen un burro y van los dos caminando.

Al escuchar esto, tanto el abuelo como el nieto decidieron subirse en el burro para cruzar el siguiente pueblo pero nuevamente se escuchó la opinión del pueblo: ¡Qué personas tan salvajes!, ¡ese burro va muy cargado!

Entonces, el nieto se subió en el burro mientras que su abuelo iba a su lado paseando tranquilo y el pueblo dijo: ¡Que niño tan desconsiderado! Él tan cómodo en lo alto del burro y sin embargo su pobre abuelo mayor va a pie.

Cuando llegaron al final del camino el abuelo aprendió una cosa que quiso enseñarle a su nieto para que no se le olvidara y es que por más que intentes hacer las cosas bien, siempre alguien lo criticará. Ten tu propia personalidad y no te dejes influir por el “qué dirán”.

El Expresionismo (En la Pintura)

Tras los anteriores posts sobre el Impresionismo, Postimpresionismo, Simbolismo y Puntillismo, en cierto modo cronológicamente, (al entremezclarse algunas etapas del arte, la elección ha sido por pura y aleatoria selección mía), creo que ha llegado el momento de tocar el Expresionismo. Siempre en el ámbito de la Pintura.

El Expresionismo es un movimiento artístico y literario de origen europeo surgido a principios del siglo XX que se caracteriza por la intensidad de la expresión de los sentimientos y las sensaciones. Lo encontramos en muchos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”.

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Derivándonos hacia la Pintura, el expresionismo pictórico se caracteriza por el desequilibrio y la fuerza de los colores y las formas.

Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos, lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido.

Fijémonos lo curioso que es que encontramos precedentes del Expresionismo tan lejanos como las pinturas negras de Goya, que rompe con las convicciones con las que se representaban las anatomías para sumergirse en el mundo interior. Sin embargo, los referentes más inmediatos son Van Gogh y Gauguin, tanto por la técnica como por la profundidad psicológica.

Otro grupo de gran influencia es el simbolismo, (del que hablé recientemente en un post), entendido como la búsqueda en la cual el artista, limitando la pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.

El Expresionismo se inicia con un periodo preliminar representado por el belga Ensor y el noruego Munch.

El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc. Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania, también se percibe en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari). En Alemania se organizó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (fundado en 1905), y Der Blaue Reiter (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no adscritos a ningún grupo. Después de la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva Objetividad, que si bien surgió como rechazo al individualismo expresionista defendiendo un carácter más social del arte, su distorsión formal y su colorido intenso les hacen herederos directos de la primera generación expresionista.

Os aseguro que este tema para muchas hojas, pero yo debo terminar el post ya, no sin mencionar la influencia en nuestra querida España.

Aunque en España no llegó a establecerse el movimiento expresionista como tal, como corriente artística de vanguardia asociada a las primeras décadas del siglo XX, ni tampoco se establecieron grupos artísticos expresionistas, destacaron Isidro Nonell (1873-1911), que pintó gitanas y bodegones con gran sentido del color y José Gutiérrez Solana (1886-1945) ligado a la Generación del 98, que criticó la España negra con un humor cruel, inspirado en Goya, con una oscura paleta (Carnaval, La visita del obispo, y retratos como Tertulia del Café Pombo).

Próximamente me gustaría tratar sobre el Abstraccionismo, como “etapa siguiente”, si bien lo entrecomillo porque se solapan los movimientos artísticos, en función de la propia evolución histórica.

En el grabado, "El Jinete Azul", de Kandinski

El amigo

Me sentía muy solo
y deprimido, con esas horas bajas que a todos nos afectan alguna vez.

Miré a mi amigo en silencio sin atreverme a decirle nada, porque ¿me comprendería?.

Volví de nuevo los ojos hacia mi amigo y su tremendo silencio mientras pensaba que siempre estaba allí, solícito a mis deseos pero mudo, inexpresivo, frío.

Muchas veces dudaba de una amistad que jamás me brindaba consuelo ante cualquier adversidad o congoja.

No es su culpa, pensé, dado el escaso desarrollo comunicativo que mi amigo poseía.

Pero el amigo estaba ahí, mudo, como esperando alguna orden, que cumpliría al instante.

Pensé en lo poco que podía aportarme en mis horas bajas, ya que no entiende otro lenguaje que el suyo propio.

Alargué la mano hacia él, que seguía frío, impasible.

Llegué a pensar en la quinta generación, en la comunicación completa y total.

¿Sería entonces un amigo verdadero?.

No supe la respuesta.

Nunca será un verdadero amigo, pensé.

Y lo apagué.

… Y el ordenador no dijo nada.

El puntillismo

Al hablar en otros posts pasados sobre el impresionismo y el postimpresionismo, citaba algunos movimientos surgidos de estas tendencias del siglo XIX, entre los cuales estaba el simbolismo, al que le dediqué un post hace poco tiempo.  

Clasificable de alguna manera dentro del impresionismo, pero con una personalidad diferenciada, tenemos el Neoimpresionismo, a caballo entre aquel y el postimpresionismo.

Neoimpresionismo es una palabra creada por el crítico de arte francés Félix Fénéon en 1887 para definir a un movimiento artístico de fines del siglo XIX liderado por Georges Seurat y Paul Signac, quienes primero exhibieron sus trabajos en 1884 en la muestra de la Société des Artistes Indépendants en París. El término de Fénéon señalaba que las raíces de estos desarrollos se situaban en las artes visuales del Impresionismo, pero se ofrecía, a su vez, una nueva lectura del color y la línea en la práctica de Seurat y Signac, y el trasfondo teórico de los escritos de Chevreul y Charles Blanc.

Georges Seurat, denominado neoimpresionista por sus criterios más próximos al impresionismo, inventó una técnica denominada puntillismo, cuyo ejemplo más destacado es el cuadro “Un domingo de verano en la Grande Jatte” 1884-1886.

El puntillismo es un estilo de pintura que consiste en hacer una obra pictórica mediante puntos. Aparece por primera vez en 1884, encabezado por el pintor neoimpresionista Georges Seurat, y contando entre sus seguidores más fieles a Henri-Edmond Cross y Vlaho Bukovac. El procedimiento de pintura empleado por estos artistas, consiste en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre la tela. Este fue el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas. Otro de los más importantes seguidores del puntillismo fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la Société des Artistes Indépendants (1884), todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo.

El divisionismo (también conocido como el cromoluminarismo) fue un estilo característico en la pintura neoimpresionista, definido por la separación de colores en puntos individuales que interactúan ópticamente. ​

Por requerir que el visor combine los colores ópticamente en vez de mezclar los pigmentos físicamente, los divisionistas creyeron que lograban la luminosidad máxima posible científicamente.

Mediante la adopción de minúsculas pinceladas en forma de punto lograron acumular, incluso sobre superficies reducidas, una gran variedad de colores y tonos, cada uno de los cuales se correspondía con uno de los elementos que contribuía a la apariencia del objeto. A una distancia determinada esas partículas diminutas se mezclan ópticamente y el resultado tenía que producir una intensidad de colores mucho mayor que cualquier mezcla de pigmentos.

En este sentido, sus estudios de luz y color sobrepasan los realizados por cualquiera de los impresionistas, pero también se encontraron con mayores dificultades. Con más conocimientos y un ojo más disciplinado, tenían que hallar todos los matices del espectro luminoso, así como un modo de iluminar u oscurecer un matiz dado en relación con los contrastes simultáneos producidos por los colores que le rodeaban. Una de las obras más notables en ese sentido es Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte de Surat.

A pesar de lo aparentemente acertado de la denominación de puntillismo, sobre todo en lo que se refiere a la técnica de este grupo, ni Seurat ni Signac la aceptaron nunca y ambos condenaron y evitaron rigurosamente este término a favor del de divisionismo, que abarcaba mejor todas sus innovaciones.

Con estas premisas, el puntillismo se introdujo también en la música. Algunos compositores trasladaron las conclusiones del método puntillista al campo musical. Así como el ojo compone colores que no están ahí, el oído hace lo propio: relaciona los sonidos separados y los interpreta como una melodía. Pero, al contrario que el movimiento pictórico, el puntillismo musical persigue la disociación. Cabe notar que esta tendencia sirve como base para el desarrollo y creación de imágenes musicales tomando los pixeles musicales como estructura básica en la percepción visual de una imagen. teniendo en cuenta la teoría del cromatismo para la definición del color dentro de la escala cromática musical.

Incluso Gustav Klimt realizó cuadros con la técnica del puntillismo, por lo que os incluyo el "Lago Attersee", realizado bajo esta técnica.

Espero haber logrado vuestro interés por estas técnicas pictóricas des siglo XIX, tan maravillosas por su elaboración y originalidad.

¿Hay una realidad?

Ya ni siquiera la realidad es real. O al menos, no es la única realidad. Los tipos de realidad que podemos considerar son la realidad “real”, tal como la concebimos en nuestra mente, la realidad virtual, que es una realidad “no real”, o mejor llamada virtual, que es posible visualizar mediante medios externos, tales como unas gafas especiales, y la realidad aumentada.

 La realidad aumentada es una forma de presentación que toma la realidad y la combina  con lo virtual, de forma que se ofrece una representación enriquecida de los objetos, simplemente añadiendo, mediante la tecnología, efectos virtuales sobre algo real ya existente. Es decir, incorpora información digital a un entorno real, mediante un software diseñado para este proceso.

Según Wikipedia, “La realidad aumentada (RA) es el término que se usa para definir una visión directa o indirecta de un entorno físico del mundo real, cuyos elementos se combinan con elementos virtuales para la creación de una realidad mixta en tiempo real. Consiste en un conjunto de dispositivos que añaden información virtual a la información física ya existente, es decir, añadir una parte sintética virtual a lo real”.

Para los lectores del blog que conozcan los hologramas, hemos de decirles que no es lo mismo, ya que los hologramas pertenecen a la realidad virtual, mientras que la realidad aumentada combina el mundo virtual y el real.

La realidad aumentada es una forma de presentación que toma la realidad y la combina  con lo virtual, de forma que se ofrece una representación enriquecida de los objetos, simplemente añadiendo, mediante la tecnología, efectos virtuales sobre algo real ya existente. Es decir, incorpora información digital a un entorno real, mediante un software diseñado para este proceso.

Actualmente, con la realidad aumentada, tenemos la posibilidad de aumentar nuestra información mientras estamos leyendo una revista impresa, ya que mediante una aplicación, (Layar Vision, por ejemplo) y nuestro ordenador o nuestro teléfono inteligente, se pueden ver imágenes de realidad aumentada que te pueden mostrar, por ejemplo, el interior de las habitaciones de un hotel mostrado en un anuncio impreso, o una ciudad turística con sus pormenores. Este tipo de información enriquecida, además de potenciar el disminuido valor de la prensa impresa, es indudable que ayuda al usuario a elegir o decidirse entre un hotel u otro, entre un destino u otro. Y por descontado que lo mismo nos sirve tanto para los anuncios turísticos como de los de cualquier tipo, ya que se puede ver el contenido en imágenes de realidad aumentada en anuncios de cualquier tipo, sean tan variados o distintos como una fábrica o un museo.

Para los menos iniciados en este tema, les recomiendo, por ejemplo, ver el anuncio de Ralph Lauren London 4D, que es bastante espectacular.

El link es:

http://www.youtube.com/watch?v=Y5CBWTRhgGc

Hay muchas aplicaciones de la realidad aumentada. Veamos primero el caso de los muebles. Esta forma de visualizar puede resultar sumamente útil para ver como va a quedar un mueble en casa, sin tenerlo físicamente. Veamos cómo es la aplicación de IKEA, llamada IKEA Place.

https://www.youtube.com/watch?v=ZDWRl9A1p6s&feature=youtu.be

En el caso concreto de las prendas de vestir, la Realidad Aumentada es una ayuda muy fuerte, apoyando las ventas y ahorrando un montón de horas tanto a la empresa como al usuario. Para verlo, adjunto el link siguiente:

https://www.youtube.com/watch?v=XM9ZOWPeiAk

Un ejemplo, que será más familiar para los que leéis esto es el de Pokemon Go, que hace unos años causó furor en las calles, cuando mucha gente iba por las calles buscando el dichoso Pokemon en donde le indicaba el juego. Lógicamente, allí no estaba, pero el juego lo situaba allí, y se trataba de llegar el primero.

Ese es un buen ejemplo para entender la realidad aumentada, en la que el mundo real se enriquece con aportaciones del mundo virtual, creado por un ordenador, y que potencia fuertemente las apreciaciones.

Echad un vistazo a los links que os he propuesto, y sólo así podréis entenderlo todo.

Hologramas. ¿Son útiles?

El día 2 de Mayo de 2016 escribí un post titulado ¿Conoces el potencial de los hologramas? Lo tienes a tu disposición en mi blog, por lo que no voy a reproducirlo, pero sí creo que ha llegado la hora, dado el carácter divulgativo que intento dar a mis post en todos los terrenos, (ciencia, arte, matemáticas y curiosidades de interés), de volver a tratar el tema de los hologramas y ver si hay avances y nuevas aplicaciones.

Recordemos que en cine los vemos continuamente, aunque alguno de vosotros ni siquiera los habéis asociado con hologramas, en La Guerra de las Galaxias, (la princesa Leia, por ejemplo, fue de los primeros), pero es un holograma muy básico. Esto puede sorprender, pero no pasará de ahí. Así eran al inicio, azules, o verdes, básicos y que no engañan a nadie. Sin embargo, actualmente hay conciertos de artistas que ya no están, con hologramas multicolor en los que parecen estar realmente presentes. El caso de Hastune Miku, es famoso en Facebook, con un holograma en el que simula tener 16 años y con una estatura que apenas llega al 1,60 metros. Sin embargo, es atractivo al nivel de redes sociales, pero a nivel tecnológico, sigue siendo muy básico.

En un intento por incorporar esta tecnología a la realidad, Christina Aguilera ‘resucita’ a Whitney Houston. En una actuación en directo, aparecen ambas intérpretes cantando juntas en el escenario, a pasar de que Whitney Houston había fallecido en 2012. El video que se grabó resulta atractivo, pero enseguida se ve que el estado de la tecnología aún  dista de ser perfecto. De hecho, inicialmente los herederos de Whitney Houston se negaron a esta actuación, por considerar que  no era perfecta.

https://www.cooperativa.cl/noticias/entretencion/musica/el-increible-dueto-de-christina-aguilera-junto-al-holograma-de-whitney/2016-05-22/092952.html

Espero que podáis ver el video, que ha tenido muchos problemas para poder divulgarse. La idea es ver el estado actual de la tecnología que, aún siendo primitiva todavía, ya permite algunos pinitos como este.

Para meteros del todo en materia, a los que realmente os interese el tema de los hologramas, os recomiendo leer mi post de Mayo de 2016, y cuyo link es:

https://carlosborrasdelahoz.blogspot.com/2016/05/el-holograma-en-el-bolsillo.html

Según se vayan perfeccionando, cada vez nos costará más distinguir realidad de ficción y tal vez nos pueda producir cierto desasosiego si llega el momento en el que no podamos distinguir una imagen real de un buen holograma.

Más impactante me ha parecido el que unos científicos japoneses están desarrollando hologramas con los que podemos interactuar en tiempo real. Y eso sí que me produce sensaciones encontradas: por una parte da pavor la llegada de algo así, pero por otra, puede ser una fuente de oportunidades a diversos niveles de la vida. (Ver link).

https://youtu.be/s6xTvSpLpK0 

Pero en lugar preocuparnos por miedo a algo desconocido, veamos sus posibles utilidades, tal como el poder ver paso a paso el montaje de un mueble, un aparato electrónico, un ordenador… con un holograma que muestra como se hace.

Una empresa que trabaja para Ford desarrolló un holograma del prototipo de un nuevo modelo de Ford, el Thunderbird, de modo que los asistentes al acto pudieron ver con sus propios ojos un coche que todavía no existía físicamente, con todo lujo de detalles, tal y como lo verían si el coche existiera en realidad y lo tuvieran delante.

Con esto nos va pasando como con los avances que se van realizando en la robótica: robots cada vez más perfectos, más “humanos” en su apariencia y línea de actuación, y con aplicaciones que superan a las del hombre. Ahora le incorporamos los avances en hologramas, y tenemos un cóctel de miedo al futuro de lo más impactante.

Actualmente, todavía no nos damos cuenta de los cambios que pueden conllevar estos avances, y lo que puede suponer para muchos empleos. ¿Para que necesitaríamos una  persona que nos explique como funciona un producto si puedes tener un holograma que te muestra como hacerlo paso a paso como si estuviera allí contigo? Y por si fuera poco con los últimos avances, (ver video japonés), puedes interactuar con el preguntándole dudas.

Como el tema tiene su miga, voy a hacer cortito, deliberadamente, este post. Si lo vais a leer con el otro post de Mayo de 2016 que os he recomendado, para estar más metido en materia, ya hay tema de lectura suficiente.

Espero vuestros comentarios.